Muy pronto "El Predicador" en Once.

Micromonólogos Teatrales

La Facultad de Arte de la UNICEN, ha lanzado un concurso de "Micromonólogos Teatrales" muy interesante.

Podés consultar las bases y condiciones aquí.

"Antígona Vélez", el fruto de tanta sangre.

Pompeyo Audivert acaba de montar en el teatro Nacional Cervantes Antígona Vélez de Leopoldo Marechal.

El autor entendía el teatro como la única forma literaria social, no unipersonal porque en el proceso intervienen muchos rubros, oficios, personas. Y también le interesaba la idea de un teatro que reflexiona sobre los mitos.

Su Antígona Vélez (obra que por la cantidad de actores -entre otras cosas- sería muy difícil llevar a cabo fuera del circuito oficial) ubica el mito de Antígona en la Pampa del malón y la masacre.

La puesta de Pompeyo es impecable. El trabajo de cada actor cuenta y el conjunto es armonioso, inquietante, atractivo y feroz. Los cuerpos que se quiebran y desgarran, las voces (particularmente en el caso de las brujas), la desolación, y una obra que una vez más nos conmueve apelando a lo básico del teatro: la voz, el texto y el cuerpo. Sin más artificios.

Un teatro que entretiene, es bello (poético) y nos hace reflexionar, en este caso, sobre las arbitrariedades del poder.

En el Teatro Nacional Cervantes.

Happening aggiornado

El concepto de "happening" nos remite a algo "loco" de los años 60, o más directamente al Instituto Di Tella.

Imaginamos un evento artístico donde el espectador participa, imaginamos mucha gente joven explorando en diferentes formas expresivas y a veces, también podemos imaginar algo semejante a una fiesta donde hacer "lo que pinte" estaría permitido.

Recrear el espíritu del happening hoy nos enfrenta a varios desafíos, por ejemplo, producir un evento donde la tecnología tenga un lugar importante. O bien, producir una versión del "arte participativo" que no resulte invasivo, que no sea visualizado como algo "hippie" y en cambio tenga en cuenta ciertos códigos y modalidades actuales.

Estas son las posibilidades que indaga "Chez Gagá" (www.chezgaga.com) y es el eje del evento que se producirá en Espacio Giesso el próximo 16 de julio.

Destreza, erotismo y humor

"La idea fija" dirigida por Pablo Rotemberg, combina destreza física (excelente performance de todos los bailarines/actores), erotismo (con buena dosis de estética porno) y humor.

Hay cuadros que están estéticamente muy bien logrados y con musica que acompaña perfectamente.
Por momentos, la danza es desenfrenada, viceral y también "robótica". Hay algo no humano que se entreve y resulta inquietante. En otros tramos, lo humano irrumpe y es tierno, gracioso, grotesco.
Interesante sintesis, exponer lo humano como aquello que va desde lo viceral a lo "robótico", desde lo desenfrenado a lo tierno.

El Portón de Sanchez - Sábados a las 21 hs.

"Las Julietas". Todo celeste!

¿Qué es ser uruguayo? (y la pregunta es válida para cualquier nacionalidad).

Cada uno saldrá de ver Las Julietas con una respuesta diferente, o mejor aún con más preguntas y algunas reflexiones. Pero finalmente, queda claro que recorrer los mitos que nos atraviesan como habitantes de un lugar es un sendero ineludible cuando la pregunta se plantea (de éste o del otro lado del charco).

La dramaturga y directora Marianella Morena recurre a la archi conocida historia de Romeo y Julieta (triste historia) y a diferentes mitos de la "uruguayez" como el mundial del 50, el Maracanazo, el color celeste que todo lo cubre, el tango (Ojo gurises que Tita Merello es nuestra!), el circo criollo, el malambo... etc.

(Hay algo que me recuerda al tema de Leo Masliah "La deuda externa" en cuanto al recuento de esas pequeñas cosas cotidianas que hacen a la identidad de un pueblo).

La obra es divertida, inteligente, está super bien actuada (enorme el trabajo de los cuatro actores) y nos deja algo de esa entrañable melancolía charrúa; mezcla de siesta, caminata por la rambla y enorme dignidad a pesar de todo. Una vez más "el paisito" dice presente y marca un hito.

En mi caso, la obra me dejó pensando: ¿Que habrá de amor trágico en la relación que uno tiene con su identidad nacional? y rápidamente vienen los versos de Borges "No nos une el amor sino el espanto; será por eso que la quiero tanto."

Muy buena! En El Camarín de las Musas - los sábados de abril a las 20 y 23 hs.

El teatro como celebración del misterio

El teatro nace del ritual y es importante que conserve en su sentido más puro su carácter de celebración del misterio de la vida. Como tal, el teatro se opone a todo "sistema" que intente dar explicaciones, cerrar sentido. Se opone necesariamente a todo dogma y al concepto de "la realidad" como dato objetivo.

El teatro pone en riesgo esos sistemas, esas ideas y conceptos que en mayor o menor medida engendran algo del totalitarismo. Por eso los sistemas totalitarios aborrecen al teatro, que es celebración, reunión, creación.

Así como cuando jugamos todo es posible y no hay explicaciones únicas, cuando hacemos teatro nos expresamos celebrando el misterio y sin preocuparnos por dar cuenta de lo hecho. Todo intento de explicar, graficar, toda pretensión pedagógica, resta al arte teatral.

Teatro al aire libre suspendido por lluvia

Las funciones programadas por el Centro Cultural España en Buenos Aires para los días 18 y 19 de febrero se suspendieron por mal tiempo, están pendientes de reprogramación. La Info estará disponible en el sitio del CCEBA.

La obras a reprogramar son: Sencilla, Rosa brillando, Vivo y Paraná porá.

Un público mayoritariamente jovato

En el Teatro San Martín de Buenos Aires se estrenó "Viaje de un largo día hacia la noche" de Eugene O'Neill.
Más allá del excelente trabajo de todo el elenco, me resultó impactante la vigencia de una obra escrita en la primera mitad del siglo pasado. Se trata de lo que hoy llamaríamos una "familia disfuncional" (padre borrachín avaro y narcisista, madre drogadicta, hijo mayor envidioso y alcohólico, hijo menor tuberculoso y padeciente - el propio O´Neill-). Una familia común en muchos sentidos y donde las cosas se dicen sin anestesia.

Sin embargo siempre que voy al teatro (en el circuito oficial o en el comercial) me pregunto ¿por qué tan poca gente joven en el público?. Cuando se trata del circuito comercial hay sin dudas un obstáculo que es el precio de las entradas, pero en los Teatros del Gobierno de la Ciudad (pese al la horrible gestión en materia de cultura), aún se conserva la tradición de ofrecer espectáculos de buena calidad a muy buen precio. Entonces, por qué será que por lo menos el sesenta por ciento de la concurrencia está por encima de los cuarenta años. Un misterio para mi.

Vuelo a Capistrano

Vuelo a Capistrano es la última obra de Carlos Gorostiza. Con la dirección de Agustín Alezzo y con Daniel Fanego, María Ibarreta y Emilia Mazer. La escenografía y vestuario es de  Roberto Almada y las luces de Chango Monti.

Carlos Gorostiza a los 90 años de edad ha escrito una obra que reflexiona sobre el partir, sobre la muerte. Acerca de cómo lo inevitable se hace presente y transforma los vínculos. Eso que todos sabemos que sucederá pero que se vuelve real cuando un médico dictamina, y a partir de entonces (aun cuando sigamos sin saber la fecha exacta) todo cambia.

Y también podría decirse que es una obra donde están presentes referencias a las turbulencias sociales, donde hay punto de vista sobre las huelgas, el porvenir, aquello que dejamos a las futuras generaciones. Es claramente la obra de un dramaturgo consagrado, maduro, y comprometido.

Más info aquí.

La reapertura de un teatro es siempre una buena noticia.

En este hiper cálido mes de enero, una de las más "refrescantes" noticias ha sido la reapertura del "Teatro del Globo".

Esta "mítica" sala porteña vuelve a la escena con el estreno de la obra de Ponciano Funes "Código de familia".

Es siempre una buena noticia que se haya recuperado una sala teatral.

Más oportunidades, más opciones. Más teatro!

Veronese x 4 en la cartelera teatral del verano.

Dejando a un lado las propuestas más faranduleras, a las vedetongas de turno y otros productos humorístico-estivales. La cartelera teatral de Buenos Aires en verano suele no tener tantas propuestas interesantes como en el invierno.

Sin embargo, suelen aparecer alguna perlitas interesantes, como por ejemplo el "Ciclo Veronese" que estrena el Teatro San Martín a partir del 19 de enero.

Daniel Veronese es uno de los dramaturgos argentinos más interesantes de la actualidad y también uno de los más respetados tanto en el circuito off como en el comercial (donde ha dirigido obras excelentes como "Gorda").


Las obras que se darán en el San Martín son:

Mujeres soñaron caballos.
Espía a una mujer que se mata.
El desarrollo de la civilización venidera.
Todos los grandes gobiernos han evitado el teatro íntimo.

Sí, los nombres que elige Veronese para sus obras son un tanto estrafalarios pero está muy bueno verlas.

El texto en el teatro.

Un amigo me contaba que estaba preparando una muestra de teatro, pero que no le convencía el texto sobre el que trabajan. Esto dio lugar a una charla muy interesante respecto del lugar que ocupa el texto en el teatro. ¿Qué es más importante, el texto o el modo en que se re-presenta ese texto?

Si adoptásemos posiciones extremas, podríamos decir que un excelente texto trasciende el como y puede resistir una puesta en escena floja y hasta un pobre desempeño de director y actores. En el otro extremo podríamos afirmar que el texto no es lo importante y que lo verdaderamente artístico del hecho teatral es cómo se representa, cómo es llevado a la escena cualquier texto.

A mi me gusta pensar que el texto es a la obra teatral lo que el plano es a un edificio. Parte importante pero no todo. Es más, el texto aislado no es teatro. O en todo caso, es teatro muerto. El teatro vive en la representación y es siempre una producción colectiva, en la cual el dramaturgo tiene sólo una parte de la responsabilidad.

"YA ESTA!" (Taller de Teatro de Verano 2011)

"Ya está!" es el nombre que le he dado al nuevo taller de teatro de verano que tendrá lugar en el mes de febrero. Se trata de un taller de 10 horas de duración (en 4 encuentros) que tiene como objetivo experimentar con las posibilidades expresivas de cada uno y del grupo, explorando diferentes formas de decir un texto, de componer un personaje y de combinar técnicas teatrales.

¿Para quiénes es este taller?

Está dirigido a todos los que sientan ganas de encontrarse a compartir la experiencia de entrenamiento teatral jugando con otros. No es necesario tener formación previa, sí es imprescindible tener ganas de actuar y compartir con los demás un espacio de experimentación expresivo-creativa.

Los interesados pueden solicitar más información y reservar vacante, escribiendo a luis@luisavalos.com.ar

Estreno del nuevo año!

Improvisar

Los espectáculos de Improvisación teatral son cada vez más populares y mucha gente se interesa por aprender esa técnica yendo a talleres de "impro". Porque obviamente se trata de una técnica y tiene sus reglas. De manera tal que el que se entrena es el que tiene más chances (si bien no es lo único y una cuota de talento personal es siempre bienvenida).
Lo que resulta curioso es que la idea de improvisar, en otro momento y en otro contexto no era muy valiosa, sino más bien lo contrario. La palabra improvisar viene del latin improvisus y significa no ver de antemano, no prever, hacer las cosas sin preparación previa.  De hecho, solemos decir que alguien es un "improvisado" cuando no se desempeña en su rol con la solvencia y la preparación adecuada.
Sin embargo, este concepto es atractivo y valioso en el teatro actual y mucha gente se interesa tambien en la improvisación teatral como forma de encarar otras actividades (empresaria, comercial, etc.).
Son curiosidades de la cultura y nos muestra lo dinámico que es el interés que tenemos por las manifestaciones artísticas y el entretenimiento.

Quién pudiera escribir como Mauricio! (Kartun, obvio).

Mauricio Kartun (dramaturgo , director y maestro de dramaturgos) hablando de Daniel Veronese (discípulo suyo) dice :

"Me pasa con algunos trabajos de Daniel que me generan imágenes. Bachelard decía que un buen poema es aquél que, cuando uno termina de leerlo, invita a escribir otro. Eso me pasa con obras de Veronese –y con otros pocos autores-: leyendo una de sus piezas, se me ocurren cantidad de imágenes para mi propia creación. Veronese es detonador." (1)

Es curioso que esto que Mauricio Kartun señala de Veronese es lo mismo nos sucede a algunos cuando vemos una obra de Kartun. "Ala de criados" (por citar un ejemplo) tiene tal potencia poética y tanta actualidad (sin caer en la bajada de línea obvia) que funciona como detonador y nos impulsa a querer escribir.

Dicho de otro modo, siento que la poética de Kartun cala hondo y empuja, motiva, genera la necesidad de expresarnos, del modo que sea. Y esa fuerza generadora en una obra de arte es lo más maravilloso que el arte tiene.

(1) La dramaturgia de Daniel Veronese: poéticas y lecturas Por Jorge Dubatti (ver texto)

Trabajar con las emociones del momento

Trabajar con el estado emocional del momento. Este es uno de los pilares del mecanismo del teatro idiota. Pero... ¿Qué quiere decir? Que si en ese momento estoy enojado grito y que si estoy alegre me cago de risa? Podría ser, pero creo que no es tan así. Hay otros elementos a tener en cuenta: el personaje, la situación, los otros personajes.

Entonces, si por ejemplo, un actor se siente alegre, va a tratar de manifestar esa alegría a la manera de su personaje (pongamos por ejemplo el novio de Bodas de sangre), con los textos del novio y no en todo momento ni con cualquiera de los otros personajes.Porque si su madre está largando toda la chorrera de maldiciones a los Felix ("familia de matadores") y llorando a sus muertos, no da para que el novio se cague de risa por más alegre que esté. Es como en la vida. Si yo estoy muy contento pero me encuentro a un amigo que me dice que le mataron a toda su familia no muestro mi alegría.

¿Qué podría hacer el novio con su alegría en esa situación junto a su madre? En todo caso, tal vez podría no ser tan efusivo en el modo de decirle "calle madre", o simplemente podría irse y dejarla hablando sola. Y luego podría cruzarse con María y a ella si decirle "Ya pude comprar las viñas!!" riéndose.

Pero también puede suceder que a pesar de estar alegre (el actor) esa emoción le sirva como "combustible". Es decir que le sirva para impulsar sus acciones pero no para ser manifestada directamente. Cuando se carga de combustible una maquina lo que sale no es combustible sino energía. Hay un proceso en el medio. Pues bien, en ese sentido la emoción "alegría" que trae el actor puede transformarse en algo equivalente, algo fuerte, vital, explosivo que no sea necesariamente la risa como demostración más directa de la alegría. Atravezar un proceso a partir del cual la alegría como estado emocional primero pasa por varios filtros y se transforma en un grito potente, en un caminar decidido, en una tensión que no se puede ocultar.

Actuar

Bartis decía algo con lo que yo estoy muy de acuerdo: si la actuación se reduce a aprenderse la letra y poder decirla de un modo más o menos convincente, cualquiera puede ser actor. Ahora, si de lo que se trata es de interpretar un texto con cierta poesía, con algún ingrediente que vuelva artística a la representación, eso es otra cosa.

El problema es quién determina cuando una representación es "poetica", "artística". Cómo se determina. Algo es poético/artístico cuando salís del teatro pensando nuevas cosas, es cuando algo de lo que creías tambalea, es cuando resulta bello ese decir/hacer, es cuando resulta inquietante...

La idea de "poner en peligro la realidad" me resulta adecuada, pero obviamente no agota la cuestión sino que más bien es un punto de partida. Cuando la representación transgrede cierto orden, rompe con algunos supuestos y de todos modos funciona, en el sentido de que es reconocible, me parece que estamos en un punto de partida interesante como para hablar de "arte".

En el espectáculo Konga de J.F.Casanovas y E.Solá, en un momento éste último, vestido de española recitaba un poema de Juana de Ibarouru (el mismo que tal vez alguna vez recitamos en la escuela) , pero él  lo dice de un modo tragicómico, diferente y nos muestra (sencillamente) que no hay un solo modo de hacer las cosas. Del mismo modo vi muchas veces a Urdapilleta o a Humberto Tortonese recitar textos "escolares" poéticamente y extrañamente (a la vez). No se burlan del poema, al contrario, realzan ese material en toda su "cursilería" y convierten algo que podría ser olvidado en una pieza de arte.

El eterno "Doctor Faustus"

El próximo martes 31 de agosto a las 21 hs. se estrena en Centro Cultural Rojas Doctor Faustus.

Dirigido por Emilio García Wehbi y Maricel Álvarez, el espectáculo está inspirado en el mito medieval de Fausto y se apoya en las reelaboraciones del mismo. Goethe, Gertrude Stein, Heiner Müller, Lars von Trier y  Marcel Duchamp son convocados a dialogar en esta singular pieza.

Más info en:  Centro Cultural Rojas.