La lección de anatomía

Desde hace 35 año!!!! "La lección de anatomía" de Carlos Mathus (es ya una marca registrada) está en cartel. A lo largo de los años han pasado muchas cosas y hay mucho escrito al respecto. Pero lo que me interesa es la lectura que hace el autor y director. Carlos cuenta -entre otras cosas- que la gente se desmaya, se enoja con los actores, llora, putea, espera a la salida a algún actor para cagarlo a trompadas y no porque sean malos actores o para pedir que les devuelvan el dinero sino porque la obra los ha "movilizado".

No me cabe duda de que esto es así. Creo que lo que me cuenta Mathus es la verdad, pero lo que yo me pregunto es ¿Cuál es el públco de "La leccion..."?

Sospecho que no es el mismo que ve una obra de Barthis, o el que va a ver "Máquina Hamlet". Tampoco el que va a ver "El champagne las pone mimosas".

El fenómeno de "La lección..." es irrefutable, pero me parece que se da en un pequeño sector de ese gran universo que llamamos público. En mi opinión es un público que va predispuesto a que sucedan esas cosas. Así como quien va a una Iglesia del Pastor Tal tiene cierta predisposición a que el "milagro" suceda.

Objetivos del teatro

El teatro puede tener diferentes objetivo. Objetivos en tanto metas a alcanzar. Cada cual (cada teatrista o grupo) tiene la suya.

El trabajo teatral (sobre todo en el teatro independiente) es muy arduo, involucra un número muy importante de tareas y se requiere de mucho esfuerzo. Evidentemente, es necesaria una motivación. Es decir un motivo para poner en marcha toda una gran maquinaria. Esa motivación puede ser: darse a conocer, ganar dinero, provocar, conmover, contar una historia personal, hacer reir, entretener, disciplinar, bajar línea, educar, adoctrinar, etc.

Creo que lo importante es que los que están llevando a cabo semejante empresa sepan qué quieren.

Pero que lo sepan de verdad.

Trascender

Hoy fue la última función del año de "Entre la lujuria y la pereza".

Creo que fue una de las mejores funciones y me sentí muy feliz de estar haciendo este disparate.

El desafío para el año que viene es convocar más público, trascender el círculo de los amigos y conocidos. Que venga gente "de la calle".

Ese es uno de los principales obstáculos del teatro independiente. Que el público vaya a ver algo a pesar de que los actores, el director y autores no sean conocidos. A pesar de que no haya publicidad en televisión ni afiches en las calles.

En la serie de tv "Tiempo límite" los otros días mostraban la historia de un grupo de teatro que en un momento monta una farsa para robarle a los compradores de un auto el dinero que llevaban para cerrar la operación comercial. Y como coartada, cuando estaban hasta las manos, imaginaban que le dirian a la justicia que todo había sido una acción de prensa, una maniobra para llamar la atención del público.

Debe haber otra forma, digo, no?

Actores - teatro - familia

No es teatro, pero los actores forman un equipo excepcional.

El guion es muy bueno, las actuaciones impecables, la dirección de arte excelente... es una película para recordar: "Little Miss Sunshine".

Me recordó por momentos a "La omisión de la familia Coleman" pero es evidente que el cine es mucho más efectivo a la hora de contar historias.

Pero el teatro conserva su mayor virtud: el hecho vivo. Está ahí.

Cuando estamos en Timbre 4 y vemos "La omisión..." todo esta sucediendo ahí.

en un caso (el cine) se cuenta una historia de un modo impecable. En el otro (teatro) se vive esa historia en tiempo real. ¿Real?

El gusto de los otros

La veo a Eugenia preocupada por la aceptación de los demás. Todos en alguna medida nos preocupamos por eso, es claro. Pero lo artístico se relaciona con lo auténtico, y para ser auténtico no podemos estar pendientes de la opinión de los demás.

En Amaltrico, cada actor decide cuándo dice, qué dice... siempre teniendo en cuenta que los textos están preasignados y que cada uno tiene un personaje. Pero estos personajes pueden interactuar y recrear en cada función un nuevo modo de contar su historia.

Si estamos pendientes de agradar, de ser aceptados, lo más probable es que no podamos proponer algo singular y creativo.

Dos formas de actuar

Hacer entrar en la representación aquello que nos pasa, las sensaciones y percepciones que vamos experimentando, es una experiencia única. Y así lo percibe también el público también. Esto forma parte de la "metodología" del teatro idiota.

Pero creo que existen dos formas bien diferentes de hacerlo. Por ejemplo, si mientras estoy diciendo un monólogo de cara al público una de las luces comienza a parpadear, puedo parar, mirar al control y hacer una seña como diciendo "Che negro, qué pasa?". Esto es claramente tomar lo que pasa pero para desenmascarar el artificio; en estos caso el público suele captar el inconveniente, entender cómo el actor improvisó y festejarlo con un aplauso o risas.

Pero también puedo tomar este estímulo (provocado por un desperfecto) y hacerlo entrar en el juego (el artificio) y desde mi personaje no negar ese parpadeo pero reaccionar sin salir del registro en el que estoy. Entonces, si estaba diciendo algo serio, dramático, al borde del llanto, puedo mirar la luz que parpadea detenerme unos segundos y entristecerme más todavía porque ese parpadeao refuerza mi sensación de desamparo, mi certeza de que el "sol está envenenado". Cuando sucede esto, el público no festeja, no aplaude, sino que duda. Se pregunta: habrá sido a propósito? Será parte de la obra?

En Amaltrico, esto sucede. Y creo yo que debería profundizarse más todavía. Cuando "la madre" escucha que alguien en el público exclama (en un párrafo inaudible de "el novio"): "qué dijo!" , ella puede hacer entrar en el juego eso que escuchó (que todos escucharon) y acercándose al novio decirle: "Qué decís hijo? no te endiendo!".

Calladito la boca

En una representación teatral, ¿Cuál es la principal diferencia entre el público y los actores?
Que el público no puede hablar.
Y... por qué?
Como sucede en general cuando alguien hace callar a otro, se está ejerciendo poder.
Sí, pero... para qué.
Tal vez porque si el público pudiese expresarse libremente durante la representación corremos el "riesgo" de que aquello que suceda en la platea sea más interesante que lo que pasa en el escenario.
Qué problema no!
Y si lo intentamos. En el teatro idiota podemos arriesgarnos.

"Entre la lujuria y la pereza" (segunda función)

Es sabido que las segundas funciones son "raras". En el caso de "Entre..." la rareza se hizo sentir muy rápido. Me había acostumbrado (en ensayos con invitados y también por lo que ocurrió en el estreno) a escuchar risas a los pocos segundos de empezar a hablar. Sin embargo, en la segunda función el silencio era lo que resonaba. Más todavía, pasaban los minutos y nadie se reía. Mi primera reacción fue pensar: "Algo está saliendo mal". Por suerte, en seguida dejé esa idea y seguí intentando que no me preocupara. También es cierto que algunas risas y carcajadas empezaron a aparecer (en algunos casos aparecián en lugares inesperados para mi).

El público es siempre diferente, ya se sabe, pero a veces me pregunto cómo puede ser que el mismo texto, la misma actuación peguen tan diferente a unos y otros. Y también me pregunto si habrá una especie de "contagio" en el público. Sobre todo cuando se trata de risas. Pero también cuando los estados son otros. Es claro que por más que las personas sean todas diferentes no existe (que yo sepa) una razón para que en una función se agrupen los risueños, en otra los tristes, en otra los melancólicos, etc. Y sin embargo...

Al terminar la función en padre de Juan (mi co-equiper en esta obra) me dice: "Al lado mío había una mujer que se reía mucho y yo me preguntaba 'De qué se ríe' porque a mi me parecía dramático lo que pasaba".

Siento que las carcajadas del público me potencian la veta cómica y me impulsan en ese sentido, pero ayer, el profundo silencio que percibí en algunos tramos me impulsaba hacia otro lado y sobre todo al final, creo que me puse más dramático que de costumbre. ¿Contagio?

Entre la lujuria y la pereza

El sábado 21 de octubre a las 21 hs. estrenamos "Entre la lujuria y la pereza", en la nueva sala La Mampara: Saavedra 331, Buenos Aires.
La obra fue escrita por Luis Avalos y en ella actúan Luis Avalos y Juan Biscaichipy, la dirección es de Esteban Fagnani y el asesoramiento en vestuario y escenografía estuvo a cargo de Liliana Medela.

Espectáculo idiota, con una puesta idiota y actuaciones idiotas.

Ya les contaré...

¿Para qué lo hago?

Teatro comercial, teatro independiente, teatro off... Más acá del teatro y sus posibles adjetivaciones estamos las personas que hacemos posible un hecho teatral. Y en ese punto las diferencias tienden a desvanecerse.

Por supuesto que hay diferencias a partir del marco conceptual y las posibilidades materiales de concreción de una obra, pero los celos, las rivalidades, el narcisismo (a veces exacerbado) allí estan, firmes, enteros.

El deseo de llevar adelante y concretar un proyecto teatral debe anteponerse, de otra manera el riesgo de no llegar es grande. Pero de qué se trata ese "deseo". Porque es evidente que en la medida en que los elencos o grupos teatrales son numerosos la variedad de "deseo" tiende a aumentar. entonces vuelvo al "marco conceptual" que antes mencionés porque sospecho que allí hay un elemento que puede ser aglutinante. Hacemos esto para ganar dinero, lo hacemos para lograr notoriedad, lo hacemos a favor de algo, en contra de algo, o de alguien...

No creo que cambie mucho las cosas convenir algo al respecto. quiero decir que no creo que se trate de hacer una suerte de terapia grupal en el grupo de teatro. Pero creo que vale como reflexión personal y como pauta para el director.

Jueguen (segunda parte)

Alguien me ha señalado lo autoritaria que suena la propuesta. Y desde entonces estoy pensando en el autoritario rol del director, del coordinador, del maestro... de teatro. Pensando en el límite, la zona fronteriza entre ambos territorios.
No tengo más nada que decir. Lo estoy pensando.
Estaré siendo autoritario conmigo mismo al obligarme a pensar?

"Jueguen" (carajo)

En otro lugar, mi amiga Daniela (que es una excelente actriz) me ha sugerido que la consigna "jueguen" suena, por lo menos, autoritaria. "Discurso amo", diría yo. Lo cual me hace pensar en el lugar (amo?) del director. Lo cual me hace pensar que sin darnos cuenta a veces no somos del todo conscientes del poder que ejercemosy que tal vez éste atente contra la creatividad de los coordinados

.

Yo hablaba de una consigna, de gente que "voluntariamente" concurre a un taller, del rol del coordinador de ese taller. Pero me quedo pensando en lo que me dijiste Daniela... ¿Se podrá coordinar un grupo sin ejercer un poder que sofoque/condicione la creatividad?????

Justificar

Cuando damos la consigna "Jueguen" a un grupo de adultos, surge inmediatamente la necesidad de justificar esta acción. Puede no expresarse con palabras pero, ahí está, en los cuerpos que no se pueden mover, en las frases que no terminan de salir. Mucha explicación y poca acción.

Es impresinante corroborar cómo los adultos nos alejamos del espacio lúdico de la niñez. El niño no necesita que venga un intelectual a contarle sobre la función creadora de la palabra; el niño sabe que es así y lo comprueba en sus juegos: "Vamos soldados, a pelear!" dice un niño y ahí están los soldados peleando junto a él.

Sin embargo, en ciertos momentos, los adultos se permiten jugar de ese modo. Probablemente necesiten de algún justificativo. No es el juego por el juego mismo, pero es algo parecido. Una manera de recuperar una parte pequeña de aquella felicidad.

El teatro permite que algo de esto se despliegue. El teatro invita a jugar y si se plantea desde lo idiota, es decir desde un lugar "opuesto" a lo "inteligente", mucho mejor.

Ventajas

Una de las ventajas de ser idiota es que uno no tiene que justificar sus acciones.

Actuar

Aunque muchos lo sepan, nunca está de más recordar que tanto en inglés como en francés, cuando queremos decir que alguien actúa (sobre un escenario) decimos que "juega" (jouer - to play).

Dios nos libre de la familia!!!

"La omisión de la familia Coleman" es una excelente obra del colorado Tolcachir que pone en peligro lo que nos han enseñado sobre los lazos familiares. Una madre inmadura, una abuela más allá de todo, los hermanos que se detestan pero se aman y sienten verguenza de eso que no han elegido pero que los une. La familia siempre da para el relato, para la puesta en escena, para la muestra. Tal vez una de las pocas cosas productivas que se pueden hacer con ese engendro social llamado familia sea convertirla en una obra artística, en este caso una obra de teatro.

Manifiesto de los nadies

Somos la corporación de los nadies y este es nuestro MANIFIESTO

1. Jamás nos presentaremos a ningún concurso porque no avalamos el contuvernio de los
alguien.

2. No trabajaremos para el subsidio sí para el bronce.

3. La propiedad intelectual no existe.

4. Tenemos los huevos chatos.

5. Teatro por mollejas.

6. La A.A.A. deberá proveer prótesis dentales a todos los compañeros.

7. Abajo la cultura; arriba María Aurelia Bisutti.

8. Kive Staif: pico y pala.

9. El off murió o agoniza trasvestido en varios rincones de Bs. As. Y será sepultado en el Alan Faena cabaret.

10. Este manisfiesto se autodestruirá en 5 segundos.

Irrupciones

Una vez más vi Electrashock y me detuve a escuchar algunos comentarios. Varias personas interpretan las irrupciones de Muscari como producto de sus ansias de aparecer en escena. Yo no descarto esa posibilidad pero aun así me parece interesante que el director irrumpa rompiendo la ilusión de que allí hay algo solemne. En mi opinión cada vez que Muscari interviene hay algo (más allá del chiste) que se revela. Y si esto molesta me parece que se produce una tensión positiva. "Callate Muscari" -comentó alguien en voz muy baja- y a mi me pareció muy logrado este mecanismo más allá de que Muscari lo haya pensado así o no.

ElectraShock

ElectraShock es uno de los espectáculos más impactantes de los que he visto ultimamente (y no es que salga muy poco).
Chapita Fal está EXCELENTE!
Stella Galazzi es una Clitemnestra terrible y desopilante a la vez.
Mercedes Morán (hija) y Emiliano Figueredo son Pilade y Ayo, llenos de fuerza y carisma. Horacio Acosta un genial Egisto. También hay un grupete de chongos impresioanantes pero eso es como un agregado típico de director gay.
La puesta es desafiante y en su desfachatez representa la vuelta de tuerca necesaria para una tragedia que - como dice Clitemnestra- no tiene sentido en un mundo sin reglas.

Resplandecer

Estaba pensando en la espontaneidad y la libertad y la técnica y la mar en coche cuando encontré este texto que me iluminó el panorama: "La espontaneidad y la disciplina, lejos de debilitarse una a la otra, se refuerzan; lo que es elemental alimenta a lo que se construye y viceversa, para convertirse en verdaderas fuentes de una especie de actuación que resplandece". (Grotowski)