Un monólogo para teatro idiota

DISCURSO DE CIERRE DE CAMPAÑA DEL DR. RAJATABLA (fragmento de un monólogo de Luis Avalos)

Amados silenciados, pregoneras y pregoneros de mi patria. Queridos nadiados.

Hoy estamos arrebolando una jornada pitagórica en la encrucijada de la patria.

A solo 20 días de la lluviosa puesta maquinada, no podemos ser fueristas, no debemos rajar un soto mientras del otro lado malogran mendrugos.

Estamos comprometidos con la revoltosa movida hacia un mundo portentoso y pipón.

Por eso todos: petiteros y murgueros, mamasitas, figacitas y vigilantes iremos a las renovadas dejando atrás vejaciones y otredades. Marcharemos jopo con jopo gorjeando al unísono baladas y trobas. Pita y pita el del bombo y vamo arriba!

La victoriosa no fábula, se arrebata por la mano o por la soga, y nosotros la cincharemos sin tembleque.

Dejemos atrás la caterva fiestera. Siliconada y careta.

Promontorios chandonados pasaran a la página negra de la saga. Nunca más la cachonda cadena de festejos, vaciando los portales, los pozos y los rasos.

Hermanos y maridos, no desmientan el llamado de su consejo y veamos el poncho por el agujero. Con la esperanza de hallar en cada fleco el patriotismo.

Acompáñenme y juntemos respiros.

Juntas y juntos más temprano que nunca, lo veremos.

Mi corazón dice otra cosa

En la madrugada del 17 de julio, el vicepresidente de la Argentina Julio Cobos desempató la reñida votación del Senado sobre una controvertida ley. Así fue como el Senado se convirtió en el escenario, Julio Cobos en el protagonista, el jefe del oficialismo Senador Pichetto fue el malo y el de la oposición Ernesto Sanz jugaba el rol del viejo amigo que apela a la conciencia del héroe dubitativo. El elenco se completaba con los demás senadores y el pueblo en las calles era el coro.

El momento en que habló Cobos fue de una tensión dramática que ojalá pudiésemos reproducir en el escenario teatral.

Cobos apeló a la emotividad, "Dicen que tengo que acompañar la institucionalidad. Mi corazón dice otra cosa y no creo que esto sea el motivo para poner en riesgo el país. (...) Yo creo que la presidenta de los argentinos me va a entender. "

Sus silencios, su mano acomodando el micrófono como si éste se fuera a escapar, el dedo índice sobre su frente y el tono de su voz, fueron elementos clave. Incluso el hecho de que minutos antes de tener que votar hubiese desaparecido del recinto y tuviese que ser llamado insistentemente por su coprovinciano Ernesto Sanz (quien tuvo también un desempeño actoral para nada despreciable).

La teatralidad no es sólo patrimonio del teatro, invade otros ámbitos, y sin dudas el ámbito de la política es uno de los que más provecho sabe sacar del viejo oficio teatral.

El gran cómico argentino

Se ríe de la realidad cotidiana y desde la tv o Internet usa los códigos de esos medios para ponerlos en cuestión. Le da todo el tiempo una vuelta más de tuerca a un decir sencillo y encuentra los signos que hacen poesía, porque todo el tiempo hay metáfora. Nada es lo que parece y al mismo tiempo es tan obvio que cachetea.

Vean : Peter Capusotto

"Tres hermanas" de Anton Chejov

“Uno no se casa por amor, sino por cumplir un deber!... Yo, me casaría sin amor... Me casaría con quien me lo pidiera con tal que fuera una persona honrada”.

La obra de Chejov que se puede ver en el Teatro Regio de Buenos Aires (a sólo $25 -lo cual no es un dato menor, teniendo en cuenta que otras obras en la calle Corrientes cuestan $60), nos permite reflexionar sobre grandes temas como la soledad, el sin sentido, las despedidas, el desencuentro, entre otros.

Contrariamente a lo que suele suceder con las puestas de obras "clásicas", en esta oportunidad el texto fluye y las situaciones se suceden con una gran "naturalidad".

Es maravilloso que un texto escrito en 1901 resulte tan actual, y a diferencia de otros, sus diálogos (y monólogos) nos permitan pensar en pequeños dramas humanos que todos los días enfrentamos... o no.

Molière siglo XXI

"La mujeres sabias" en la versión de Willy Landin es un excelente ejemplo de lo que se puede hacer cuando hay talento (y presupuesto). Es un lujo que esta obra esté en la sala Martín Coronado del Teatro San Martín (a un precio muy accesible).
El público no para de reir, aplauden, gritan "bravo" y festeja la creatividad de esta puesta.
Una obra escrita hace 350 años!!!!! es presentada de un modo totalmente actual. Genial!

Teatro en Chile

En Santiago de Chile se está desarrollando la "XIII Muestra de Dramaturgia Nacional".

Fui a ver la obra "Parkour" del dramaturgo chileno Eduardo Pavez. Es un monólogo muy conmovedor, con reflexiones absolutamente actuales y universales. Lleno de humor, ironía y dramatismo.

Es muy interesanto cómo a pesar de los recursos multimediales, de las formas cercanas al stand up comedy y del lenguaje cotidiano, la actuación de Rodrigo Muñoz logra climas que cambian vertiginosamente y que en medio de una carcajada te hacen preguntarte "de qué carajo me río?".

Creo que el director Alejandro Goic encontró un equilibrio interesantísimo en esa variedad de climas que la obra propone. Como todo buen director que desde "afuera" mira e integra.

Es maravilloso el modo en que Eduardo Pavez toma un tema "de actualidad" como la disciplina llamada "parkour" y logra a partir de ahí hacer que algo que la mayoría de los adultos podríamos considerar una moda adolescente, nos haga reflexionar sobre qué hacemos respecto de los obstáculos cotidianos. Los saltamos (como en el parkour), los rodeamos, retrocedemos?

Una vez más el teatro haciéndonos reflexionar sobre la realidad.

Instrumento

Hacerlo en serio. Actuar en serio. Hacerlo a fondo. Pero nunca tomarse en serio a uno mismo. Uno es el instrumento, y el ejecutante ... quién sabe.
Uno nunca sabe...
Cuando no me esfuerzo es cuando mejor me "sale".
Cuando no sé muy bien qué hago. Cuando dejo que "se haga". Sin frenarlo.
Si me asusto o me enorgullezco, se corta.
Como cuando voy en bicicleta sin pensar cómo pedaleo. En el mismo momento en que pienso: "pie derecho pedal derecho, sube. Pie izquierdo, pedal izquiero baja..." me caigo.

Teatro físico

Dos hombres. Uno semidesnudo, el otro vestido. Están frente a frente. Lentamente se desarrolla una pelea que muy pronto es un combate brutal pero... no se tocan. La destreza es tal que podemos sentir cómo se golpean pero no lo hacen. Bueno, en realidad... no lo hacen? porque eso sería pensar que los golpes son sólo una cuestión física cuando en realidad son más una cuestión emocional.

Es el grupo DV8 de teatro físico.

http://www.dv8.co.uk/index.html

¿Para qué sirve el teatro?

Lo primero que se me ocurre es que, en términos actuales de lo que es utilidad, no sirve para nada. Pero obviamente creo que sí "sirve" en un sentido no "utilitario" (capitalista).

El "por amor al arte" es la otra posibilidad, pero también es peligrosa.

Artaud dice: "Shakespeare y sus imitadores nos han insinuado gradualmente una idea de arte por el arte, con el arte por un lado y la vida por otro, y podíamos conformarnos con esta idea ineficaz y perezosa mientras, afuera, continuaba la vida."

Artaud pensaba en un teatro que dejase "cicatrices imborrables".

Yo me conformo con mucho menos, tal vez con la pequeña pero inquietante sospecha de que una emoción inesperada pueda irrumpir.

Teatro perturbador

"Una verdadera pieza de teatro perturba el reposo de los sentidos, libera el incosciente reprimido, incita a una especie de rebelión virtual (que por otra parte sólo ejerce su efecto permaneciendo virtual) e impone a la comunidad una actitud heroica y difícil.

("El teatro y su doble". Antonin Artaud)

Versión libre

La idea de versionar algo (hacer una versión) está ligada a volver, retornar. Pero ese retorno siempre fracasa dado que no podemos (al menos por el momento) volver atrás, más que con el pensamiento. Volvemos y traemos algo para presentarlo ahora pero en el camino algo cambia.

En teatro solemos hablar de versiones libres pero en realidad -más o menos libres- todas son versiones.

Aun el intento de seguir al pie de la letra lo que uno mismo ha escrito, se tropieza con obstáculos que obligan alguna variación.

Cuando tomamos el texto de Genet para hacer Las criadas nos encontramos constantemente con esos obstáculos y en cambio de oponernos los rodeamos, los asimilamos, los trasnformamos... así fue como lo que quedó es "La mugre no quiere a la mugre" (texto de Solange) que refleja -a nuestro entender- esto que estamos representando.

La mugre no quiere a la mugre. 14 y 21 de noviembre, 20 hs. Auditorio de la Facultad de Psicología UBA-

http://centrocultural.psi.uba.ar/teatro/ciclo_2.htm

Entre la lujuria y la pereza

Entre la lujuria y la pereza, obra de Luis Avalos con Juan Biscaichipy y Luis Avalos. Dirección de Esteban Fagnani y vestuario/escenografía de Liliana Medela. Fue estrenada en octubre de 2006 en La Mampara (Buenos Aires) , está disponible en YouTube

http://www.youtube.com/watch?v=LDyVjldbFW0

Enjoy it!

La mugre no quiere a la mugre

Es un work in progress (trabajo en proceso) con el que nos proponemos mostrar "la cocina" de una producción teatral independiente. Partiendo del texto Las criadas de Jean Genet y siguiendo su instrucción de que los roles de Solange y Claire fueran representados por actores varones, vamos desarrollando la historia de las dos sirvientas entrecruzándola con la de Alina Reyes (personaje del cuento de Cortázar La lejana).
Entrecruzando textos, estilos de actuación y dejando que todo esto dispare múltiples sentidos (sentidos dispadados, disparatados) vamos profundizando en una búsqueda que queremos mostrar (de puro exhibicionistas) cuando aún no está terminanda.

Actúan: Luis Avalos - Ignacio Litvac y Karina Deleglise.
Dirección: Esteban Fagnani
Noviembre 2007 en Facultad de Psicología (UBA). Av. Independencia 3051 . Buenos Aires.

Integración

El músico argentino Daniel Barenboim dice en una de sus clases magistrales que la música es básicamente integración de sonidos. Los sonidos pueden producirse y ser muy bellos pero no son música si no están integrados. Del mismo modo en el teatro creo que se produce un hecho artístico cuando las diferentes piezas que conforman el espectáculo teatral están integradas: la actuación, la iluminación, la música, el vestuario, la escenografía, etc.

Pero si nos enfocamos en la actuación, entonces se trata de integrar la voz (texto y sonoridad), desplazamientos, lenguaje corporal y quietud-silencio. Integrarlos de forma que ya no se distingan los límites entre unos elementos y otros, y conformen una sola y única cosa que ya no es simple copia de lo cotidiano sino algo más.

Algo más poético.

Las criadas (II)

La obra cuenta la historia de dos hermanas que sirven en una elegante casa y que amando y odiando a su patrona, deciden matarla. En medio de eso, acusan al patrón de delitos menores a través de cartas anónimas enviadas a la policía lo cual desencadena que éste sea llevado preso. Las trastornadas hermanitas aprovechan la ausencia de los "amos" para llevar a cabo una "ceremonia" que consiste en que alguna de ellas hace de la patrona mientras que la otra asumiendo el rol de la sirvienta interactúa con ella y -luego de un juego de halagos, reproches e insultos- finalmente la acogota.

La obra es un tanto compleja y finalmente trata la cuestión del amo y el esclavo, pero lo que más nos interesó es que se trata de una representación dentro de la representación. Más aún cuando (tal como lo sugirió originalmente su autor) en cambio de ser actuada por dos mujeres la interpretaremos dos varones. Tenemos entonces, a dos varones actores que hacen de dos hermanas sirvientas que a su vez hacen de patrona y criada alternativamente.

Pero eso no es todo, porque además lo que hacemos es dejar en total evidencia que se trata de una propuesta imposible. Entonces los actores se pelean entre sí (como en la obra las hermanas) y se "pasan factura" por episodios anteriores o por simple envidia o celos (da igual).

Constantemente se entra y sale de la ficción (como en la vida) y los actores "aprovechan" el "error" del otro para arrebatar espacios, intentar lucirse, pelearse y finalmente retomar el texto de Jean Genet como si nada hubiera pasado.

(Ilustración de Vanina Muraro).

"Las criadas". Repetir la ceremonia.

Segundo ensayo de "Las criadas". Nuestra sensación es que no pudimos volver a esa grata sorpresa que tuvimos en el ensayo anterior al ver que algo de lo escrito cobraba vida. Y más importante que eso, ni siquiera pudimos "engañar" a los observadores. Repetir el invento es un objetivo acaso insensato, pero que se reitera. Y es que de reiteración se trata el teatro. Reiteración con sorpresa (o al menos con engaño).

Quisimos repetir la ceremonia y no salió. O al menos no salió como pensamos que saldría. Sin embargo se pudo ver (dicen) algo de lo que les pasa a Solange y Clara y sobre todo, la pobreza, la soledad de ni siquiera poder recrear esa creación de ellas.

Pero ahí donde no habíamos planeado nada, en la pura improvisación, aparecieron cosas interesantes: dos actores intentando torpemente escenificar la ceremonia de las dos sirvientas; el teatro dentro del teatro. A veces, el ideal a alcanzar es tan alto que sólo sirve para hacernos sufrir, trabajar, nos verduguea, nos grita "Clara, Solange, Clara!".

Torpes intentos de dos hombres pretendiendo ser quienes no son.

"Entre la lujuria y la pereza" (en la Facultad de Psicología UBA)

Pancha y Antonio fueron desalojados por la fuerza pública de la vieja casa de la calle Saavedra. Con unas pocas pertenencias que pudieron rescatar (un calentador a kerosene, un rosario, algunos platos, el mate, algo de ropa, saquitos de té, dos mantas...) vagaron por las calles de San Cristobal hasta llegar a Independencia y Urquiza. Allí, descubrieron que el auditorio de la Facultad de Psicología estaba abierto y sin nadie vigilando (el personal estaban de paro) de modo que se escurrieron entre los estudiantes -pasando absolutamente desapercibidos- y se quedaron a pasar la noche. Desde ese día, se han convertido en "ocupas" y allí viven. Dicen que la Decana se debate entre la obligación de expulsar a los intrusos y la simpatía que le despiertan.

Muy pronto, podrás visitarlos.

Entre la lujuria y la pereza es un típico exponente del teatro idiota.

Dirigida por Esteban Fagnani.

Interpretada por Juan Biscaichipy y Luis Avalos.

Texto de Luis Avalos y escenografía de Liliana Medela.

Cuerpos iluminados

Insisto con lo específico del teatro. Con sus diferencias respecto de otros medios expresivos (audiovisuales) como el cine y la tv. Y sobre todo, insisto en su vigencia, en la necesidad de teatro.

En el teatro hay cuerpos iluminados encarnando palabras. El público los ve, los oye y lo que es más importante, los siente ahí, emocionados, tomados por eso que dicen (o callan).

Y hay algo más. Esos cuerpos miran al espectador. Cada uno se siente mirado en algún momento y eso es único.

El teatro, además, nos obliga a escuchar (en ese sentido, como dice Hannah Arendt, es el arte más cívico). Lo interesante es cuando eso que escuchamos en el teatro es diferente a lo que se escucha en la tv. O a lo que escuchamos (?) en el cine, subtitulado de por medio y lo que es peor aún, con la distracción lógica que provoca la imagen en primer plano.

Savater dice: "Oir poesía cansa porque nos incita a desconfiar de lo que oimos sin descanso."

La poesía en el teatro, puede provenir de pequeños hechos cotidianos, de palabras de uso común, puestas en un lugar que genera intranquilidad, incomodidad, y finalmente pone en peligro eso que llamamos "realidad".

I MAX no puede

Cuando decimos hacer "Entre la lujuria y la pereza" quisimos aprovechar el espacio al máximo. Elegimos una vieja casa del barrio de Once y el público al entrar se encontraba con un patio donde sonaban unos tangos y donde podían charlar y tomar un vaso de vino. Poco a poco iban ingresando en la sala que era el living de la casa de Antonio y Pancha (personajes de la obra) y allí eran espectadores (intrusos) en la casa de esta gente. Me hubiera gustado también que el público pudiese curiosear por la casa, que pudiesen moverse a diferentes lugares, pero no supimos cómo resolver eso y recurrimos a las butacas dispuestas del modo tradicional.

De todos modos, lo cierto es que las posibilidades que da el espacio son muy amplias y esto nos permite rodear al espectador de diferentes estímulos. Podemos inundar la sala de olores y sonidos, podemos hablar en la habitación contigua o aparecer de golpe por donde el público no nos espera. Podemos entrar y salir, etc.etc. Y no hablo de violentar al público haciéndolo participar al estilo del café concert de los '70. Sino de estimular sus sentidos, rodearlo, sumergirlo en la escena pero de un modo sensorial, sin hacerlo hablar.

En este sentido, el teatro nos brinda posibilidades que no tienen ni el cine ni la TV, ni siquiera I MAX. Hecho vivo en tiempo real y utilizando el espacio de un modo total.

Contar historias... ¿Cómo?

En otra oportunidad ya hablé de la desventaja del teatro frente a otros medios (cine, TV) a la hora de contar una historia. Pero también hablé de la gran ventaja: el hecho vivo. De todos modos, queda pendiente el cómo. Esto da para largo, pero en este momento, con el sol de otoño que entra por la ventana, tengo ganas de mencionar (sólo eso) una forma que quiero investigar. La llamo "la clase magistral", no la llamo así porque sea exactamente eso sino por proximidad. Puede tener la forma de monólogo o pueden participar varios actores, pero al igual que una clase, tiene como eje guiar a los participantes, expectadores, público, en un "viaje".

De algún modo se trata de la antigua modalidad de relatar una historia (al estilo del story teller o el juglar) utilizando la inmediatez con el público. Esa es la clave. Obviamente podemos agregar a esto todo lo que se nos ocurra: video, audio, efectos especiales, pantalla gigante... pero el eje siempre es la voz humana relatando en vivo. ¿Sólo relatando? No. Cuando digo voz humana relatando es dialogando, evocando, divagando... y también relatando.

Como en las capacitaciones en una empresa, como en una institucuón educativa pero sin la intención de enseñar. Es sólo tomar prestada la forma, la musicalidad, el escenario. El objetivo es sólo entretener. Pero esa es una diferencia de la que me ocuparé en otro momento.